Doppler Effect (Proyecto Audioviual Final)

Una vision experimental de la rutina diaria en la que esta atrapado el individuo comun, la cual es repetitiva y estancada. Resuelto a traves de puros acercamientos macro, fotosecuencia, fuera de focos, y otras tecnicas ajenas al video.

Realizado por:

Juan Carlos G. Guerrero y Julio Cesar Villaseñor

Asimilaciones de tiempos

Tiempo del espectador.

El espectador se encuentra en un espacio y tiempo definidos, este es un tiempo que juega un papel importante en cuanto al manejo de la temporalidad en el cine ya que este se puede manipular dependiendo de el nivel de atención y envolvimiento de la imagen con aquel que la ve. además de que la percepción del tiempo se puede alterar haciendo que pase más rapido o lento.




Aceleración y disminución del tiempo.

Una de las grandes características visuales del tiempo en el cine, es que puede ser manipulado para acelerarlo o reducirlo. creando efectos que el ojo humano no puede asimilar.










Revertir el tiempo.

Una gran característica de manipulación del tiempo fuera modificar su velocidad es que se puede revertir por completo.

Tiempo paralelo.

Cuando dos tiempos interactúan entre si o suponen correr en el mismo momento.





Tiempo asimilado.

El mismo formato de el video, el contenido y los objetos en cuadro nos remiten a cierta epoca.

Matthew Barney

Es un artista estadounidense que trabaja en la escultura, fotografía, dibujo y cine. Sus primeros trabajos fueron instalaciones escultóricas en combinación con el rendimiento y la fuente. Entre 1994 y 2002 creó el Ciclo Cremaster, una serie de cinco películas descritos por Jonathan Jones en The Guardian como "uno de los logros más imaginativos y brillantes en la historia del cine avant-garde”



En lo personal es un trabajo que me fascina por el alto grado de esteticismo que maneja, aunque conceptualmente es muy pobre, aunque tenga varios niveles de lectura un poco pretenciosos pero le falta algo a Mathew Barney que nos hace percatarnos de que se quedo a la mitad del camino.

Yo en lo personal disfrute mucho este ciclo por que fue de las primeras cosas que vi cuando decidí estudiar cine y me había sido muy difícil conseguirlas solo había visto pedazos de algunas y con una visión diferente a como la vi ahora. También esta el factor de que soy un fanático de la fotografía de moda, incluso trabajo mucho en ese medio, y en esta serie tiene una clara influencia.

Su obra esta infestada de claves sexuales desde el mismo titulo, pero siento que no trascienda mas que a nivel estético. Yo creo que su principal error es que es escultor y no supo dar el brinco al cine, ya que el cine tiene mucho mas que decir que la escultura, termina por ser una un catalogo de sus esculturas a manera de anuncio de perfume. Pero sin dudas como experiencia estética es impresionante.

Doug Aitken

Doug Aitken nació en Redondo Beach, California en 1968 y actualmente vive y trabaja en Los Ángeles y Nueva York. Su trabajo oscila desde la fotografía, la escultura y las intervenciones arquitectónicas, a las películas, sonido, obras multi-canal de video e instalaciones. Podríamos catalogarlo como un artista multimedia. Su trabajo ha sido presentado en numerosas exposiciones individuales y de grupo en todo el mundo , en instituciones como el Museo Whitney de Arte Americano, el Museo de Arte Moderno y el Centro Georges Pompidou en París. En 2001, la exposición de Aitken en la Serpentine Gallery de Londres, utiliza el edificio para su instalación Ocean.

En su obra Diamond sea nos presenta a través de unas imágenes tan bellas como los mismos diamantes, una realidad espantosa. La explotación de las riquezas de uno de los continentes mas pobres del mundo. En un lugar imposible de llegar mas que por mar y que seguramente en el pueblo mas cercano no tienen ni para comer, existe una mina de diamantes con lo ultimo en tecnología. Es impresionante como a pesar de que no muestra a personas y parece ser un encuentro de tecnología y naturaleza vemos un cerco que rodea a la mina y a unos caballos alrededor de este como si esa barrera estuviera ahí para detenerlos a ellos.

De esta película destaca aparte de su discurso, la atmosfera en la que te sumerge, que aparentemente es de belleza y paz pero si uno logra pasar esa barrera ve el lado obscuro del hombre.

Bill Morrison

Es un cineasta de Nueva York. Es miembro del Teatro Ridge y el fundador de Hypnotic Pictures. Estudió en el Reed College 1983-85, y se graduó en la Cooper Union School of Art en 1989.

Su obra Decasia la que mas se ha dado a conocer es un collage de imágenes que tiene como hilo conductor el proceso detrás de la imagen para poder ver lo que vemos en pantalla, a lo largo también muestra diferentes alteraciones químicas que terminan por ser agradables a la vista.

El al mostrarnos todo esto nos esta reafirmando que lo que vemos en pantalla no es real, aunque se nos presente de tal forma, es interesante los medios de manipulación que tiene sobre sus imágenes, pero su discurso es lo que mas atrajo mi atención.

Peter Tscherkassky

Tscherkassky es un director de cine austriaco de vanguardia que trabaja exclusivamente con materiales de archivo. Toda su obra se hace en el cuarto oscuro, en lugar de confiar en las modalidades tecnológicas. Comenzó su carrera cinematográfica en 1979, cuando compro una cámara Super-8 a finales de ese mismo año empezó a filmar Kreuzritter . Fue uno de los miembros fundadores de la nueva Cooperativa de Cineastas de Austria que se inició en 1982 y renunció a su cargo en 1993. Su trabajo más reciente Instrucciones para una máquina de luz y sonido tuvo su estreno mundial en el Festival de Cine de Cannes en la serie " Quinzaine des réalisateurs ".

Este director tiene una gran fuerza visual, y un sentido nostálgico increíble logrado a través de las técnicas que usa, los 2 trabajos que vimos del director Dreamwork y Manufraktur. Nos presentan una experiencia visual que va alternando en puros claro obscuros una estética visual y sonora, que mas que un discurso presentan sensaciones.

En este caso su fuerza radica como lo mencione antes en su montaje el cual va distorsionando los ritmos para crear estados de animo diferentes, la combinación de elementos y técnicas da por resultante un trabajo muy bello. Pero lo mas importante quizás es su método artesanal de experimentación el cual es mucho mas tradicional sobre película alterándola químicamente, raspándola, superponiéndola, etc.

Digamos que es un cineasta alquimista que le gusta alterar a la imagen desde el cuarto obscuro, de ahí nace su fuerza nostálgica que nos remite a los pioneros de la cinematografía que no sabían lo que estaban haciendo.

Peter Kubelka

Es un cineasta experimental austriaco. Sus películas son sobre todo experimentos cortos en la vinculación de sonido e imágenes aparentemente dispares. Kubelka hizo películas de 16 mm, cortos sobre todo, y es uno de sus sellos es el parpadeo y el alternar tomas del blanco al negro. Kubelka también diseñó el Anthology Film Archives espacio personalizado de Proyección de cine en la década de 1970 en Nueva York.

En el teatro habia barreras visuales entre cada asiento de modo que el miembro de la audiencia estaba totalmente aislado visualmente de otros usuarios. El teatro estaba pintado de negro y el asiento estaba cubierto de terciopelo negro. La única luz en la sala de proyecciones era la de la pantalla. El diseño es un ejemplo de la estética purista del movimiento de cine de vanguardia de la época.

Su trabajo refleja una obsesión por el cine notable, se ve que es un trabajo obsesivo de parte del director. Es un trabajo claramente experimental, pero me gusta que solo represente los 2 extremos de la moneda el blanco total y el negro total y a través de líneas básicas y siluetas creamos los espectadores en nuestras cabezas toda la información. Se me hace interesante el uso de el contraluz y luego de manera inversa, pero si nos detenemos a analizarlas las imágenes nunca presentan una persona, si no que nada mas la asemejan. Es interesante como a través de su experimento terminamos por construir la escena nosotros.

Me hizo pensar también en una frase que me dijo un fotógrafo “el mundo esta hecho de sombras y reflejos” y que mejor manera de representar al extremo esa frase que con este ejercicio.

Joseph Cornell

Fue un artista y escultor norteamericano, uno de los pioneros y exponentes más destacados del denominado arte de assemblage. Recibió influencias de los surrealistas, además fue un cineasta experimental vanguardista.

Joseph Cornell nació en Nyack, Nueva York, su padre era Joseph Cornell, un exitoso diseñador y comerciante de telas, y Helen TenBroeck Storms Cornell, que era maestra de kinder. Sus dos padres provenían de familias socialmente prominentes de raíces holandesas, asentadas desde hacia mucho tiempo en el estado de Nueva York cosa que le dio oportunidad y acceso a los medios y al ambiente del arte.



Quizás uno de mis trabajos favoritos a lo largo del curso, digamos que en cuanto a experimental se me hizo el mas, quizás es el hecho de que fue uno de los pioneros en el cine experimental pero podemos ver un juego dentro de sus imágenes. Como un niño investigando un juguete, esa sensación de y que pasara si hago esto, o lo otro.

Las imágenes a mi gusto son muy bellas y hay un juego excelente con la fotografía en todos los aspectos, desde contrastes colores, técnicas, movimientos de cámara, imágenes volteadas, etc.

En cuanto a su discurso no encontré nada sorprendente, quizás lo encontré hasta vacío, es una buena representación de la grandeza del hombre y de como seguimos siendo pequeños insectos aunque tengamos aires de dioses. Pero realmente la única línea que destaca de este ejercicio cinematográfico, es la relación visual de las imágenes. Es decir solo hay continuidad a través de la semejanza de lo que vemos de una toma a otra, por ejemplo del fuego al humo del humo a una nube, etc. ese para mi gusto es el hilo conductor.

Bill Viola

Bill Viola nace en 1951 en Nueva York. La vocación artística le surge ya en su infancia. Realiza sus estudios de arte en la Universidad de Siracusa, centro pionero en la uso de nuevos medios de expresión. Influenciado por Bruce Nauman, Peter Campus, Vito Acconci, Nam June Paik, Frank Gillette, Ira Zinder, John Downey.
A finales de los años 1970 y principios de los años 1980, sus ideas y su capacidad técnica experimentan un impulso, debido en parte al desarrollo de los medios audiovisuales y a su propia evolución en el plano personal.

Reconozco que este es un video artista como pocos que han existido y que innovo bastante y tenia un gran discurso, pero en opinión personal no me encanto su trabajo. Por momentos muy pretencioso, aunque tiene muy buen manejo de la estética, pero siento que están un poco forzados sus ejercicios.
Bill se maneja principalmente por una línea de simplismo muy expresiva pero sobria, principalmente usa el recurso de la superposición de imágenes como lo podemos ver en varias de sus obras pero principalmente en the reflecting pool. Personalmente es la que mas me gusto ya que presenta la paradoja de el tiempo que es real y que no, que esta ahí, y que tanto podemos confiar en las imágenes o en el ojo humano.

Si algo se le puede atribuir a este realizador es su manejo del tiempo y como representa los diferentes tiempos, ahí radica la principal fuerza de sus obras.

Pipilotti Rist

Elisabeth Charlotte Rist nació en 1962 en Grabs, Sankt Gallen, en Suiza. Desde su infancia ha sido apodado Pipilotti. El nombre hace referencia a la novela Pippi Calzaslargas de Astrid Lindgren. Rist estudió en la Universidad de Artes Aplicadas de Viena. En 1997 su trabajo fue presentado por primera vez en la Bienal de Venecia, donde fue galardonado con el Premio 2000. De 1988 a 1994 participo en la banda de música y actuación del grupo Les Reines Prochaines. De 2002 a 2003, fue invitada por el profesor Paul McCarthy para impartir clases en la UCLA como profesor visitante. Pipilotti Rist vive actualmente con Balz Roth, con quien tiene un hijo, llamado Himalaya. Desde 2005 hasta 2009 trabajó en su primer largometraje, Pepperminta



En su pieza Ajourd´hui nos presenta un auto retrato un poco soberbio en el cual ella es la protagonista central de la historia de manera literal, para mi gusto es un filme un poco egocéntrico ya que ella esta conciente de su belleza. Es interesante los movimientos de cámara que parecen hechos con grúa y que ella va flotando quizás eso es lo que mas me gusto de su autorretrato, en lo demás es una critica a la indiferencia de ella hacia el capitalismo. Esto plasmado a través del viaje por el supermercado en el cual ella carece de expresiones mientras en el fondo se ve la meca del consumismo actual.

También es interesante que lo presenta de lado lo cual confunde al espectador un poco y es interesante como todos al verla terminan por inclinar la cabeza en ves de verlo como se presenta solamente.

Naomi Uman

Obtuvo su título de licenciatura en la Universidad de Columbia. Antes de pasar al cine fue un chef privado para Malcolm Forbes, Calvin Klein y Gloria Vanderbilt. Posteriormente ganó un National Endowment for the Arts Fellowship y una beca del Guggenheim para hacer su trabajo de cine.

En 2008 mientras vivía y hacia cine en Ucrania en 2008, también recorrió el país en una camioneta con un proyector para crear proyecciones locales improvisadas en bares, sótanos y otros lugares fuera de la forma.
Utilizando un pedazo de una película porno europea de los años 70, esmalte de uñas y cloro, esta película crea una nueva pornografía, en el que la mujer existe sólo como un agujero, un espacio vacío, animado.

Esta tercera artista que trata el cuerpo de la mujer para hacer una critica al feminismo, lo hace por otra tercera vertiente popular que es el porno, un lugar que maltrata a la mujer y la denigra. Aquí se voltea el contexto al remover a la mujer y representar lo vacío y superficial que es este mundo. Esta explotación sexual es sacada de contexto al no estar mas la mujer presente e incluso se vuelve una sátira al machismo ya que son puestos en ridículo con sus malas actuaciones ya que están seduciendo con un dialogo patético a la nada.

Esto termina por ser algo extremadamente gracioso, la técnica que utilizo me encanto ya que esta hecho sobre cine y pintado manualmente cada cuadro. Este video me recordó a una de mis campañas favoritas, que salio apenas hace un par de años de Diesel, en la cual la pornografía es sacada de contexto y se vuelve extremadamente gracioso, aunque el Commercial es estrictamente gracioso y no tiene un discurso aparte.

Chick Strand

Nacida Mildred Strand en el norte de California le dieron el apodo de "Chick" por su padre. Strand Estudió Antropología en Berkeley. En 1961, Strand y Baillie, entre otros, fundaron lo que más tarde se convertiría en la Cinemateca de San Francisco bajo el nombre de Canyon Cinema. (A partir de 1966, el nombre de Canyon Cinema también abarcaría un distribuidor de cine de vanguardia. La distribuidora y exhibidora wings se separo en la década de los 70, dando lugar a la San Francisco Cinematheque.)

Más tarde, con Baillie y Callenbach Ernest, se editó el boletín de Canyon Cinema Canyon, Cinema News, que se convirtió en un punto focal para el movimiento de la Costa Oeste de cine independiente. Se inscribió en el programa de etnografía en la UCLA, y después de graduarse en 1971, enseñó durante 24 años en el Occidental College. Durante más de treinta años viajo frecuentemente a México con su segundo marido Neon Park y hizo películas sobre la gente que conoció allí. Para después convertirse en pintora.

Fake Fruit Factory from Guergana Tzatchkov on Vimeo.

Esta fue la ultima artista de la clase de feministas que vimos, su discurso es mas acercado a lo documental, y lo que mas me gusto de su trabajo es la propuesta colorida que tiene y el uso de puro detalle , ya que muchas veces las manos tienen mas expresión que el cuerpo entero.

Este recurso también ayuda a reforzar que podría ser cualquier mujer del mundo la que se esta retratando al no ponerle cara a las mujeres que estamos viendo, muy sutil debajo de todo esto podemos ver una fuerte critica a la explotación laboral, no solo siendo de parte de el hombre a la mujer si no de los países grandes a los pequeños. Es decir vemos una gran critica a las relaciones de poder. Estéticamente me pareció un video increíble y de acuerdo a su narrativa y discurso me recordó a al documental Reassamblage de Trinh T. Minh Ha que vi hace unos meses en la material de documental. Ambos son muy propositivos y experimentales, y en los 2 casos son documentales etnográficos. Es claro que la artista vio esta pieza y que le influyo para crear su obra.

Dara Birnbaum

A lo largo de su carrera, que comenzó a finales de 1970, Dara Birnbaum ha trabajado con video arte en Nueva York. Inicialmente, Birnbaum estudió arquitectura y desarrollo urbano, pero se cambió a estudiar pintura en el San Francisco Art Institute. A su regreso a Nueva York, continuó sus estudios en la New School of Social Research, donde se especializó en el video arte.

La producción de Birnbaum consiste principalmente de video arte e instalaciones. Sus videos de la década de 1970 y principios de 1980 son variaciones sobre el mismo tema, todas ellas reinterpretando los diversos formatos y el "lenguaje" de la televisión utilizando diferentes técnicas.

Al igual que Abigail Child que vimos anteriormente, Dara nos presenta un mensaje feminista pero en vez de partir del clásico como Child, parte de temas mas contemporáneos que podríamos considerar Pop, es decir de los medios nativos del video, la televisión. Para hacer una critica que engrandece de sobre manera a la mujer pero en un sentido irónico. A mi en lo personal me gusto su manejo humorístico de la situación y aunque no es algo digerible para cualquiera, ya que se basa en la repetición siento que es algo bastante bien hecho y que en lo personal disfrute mucho.

Partimos de la base que no es la primera artista que analizamos en clase que tiene un mensaje feminista, ni tampoco la primera que juega con fragmentos de la televisión para crear su discurso, pero aun así su trabajo resalta mucho. Se nota una autoria y una intención cosas que no son fáciles de retratar.

Abigail Child

Abigail Child (nacio 1948) es una poeta, directora, productora y escritora de varias películas. Originalmente, empezó trabajando en la escena de San Francisco pero se mudó a Nueva York a finales de su carrera.

comenzó a hacer películas como documentalista en la década de 1970. Hizo siete películas independientes, entre 1970 y 1976. A mediados de 1970, Child comenzó a hacer películas experimentales que exploran su interés en la disyunción entre el sonido y la imagen.

Mayhem Movie

Ambas películas tienen que vimos en clase tienen un fuerte mensaje feminista, y hablan de la opresión a la mujer en la sociedad Americana. De ella destaca su sutil humor negro, y la manera de hacer una critica a su país con solo montar diferentes materiales de archivo que reflejan perfectamente lo que ella quiere decir. Sus materiales son intercalados con materiales de archivo como propaganda de guerra junto con tomas creadas por ella, todas con una línea estética bastante similar que unifica el proyecto.

También tiene un gran sentido de la estética y un excelente blanco y negro que retrata la dualidad de la sociedad de manera perfecta. Su fotografía es altamente propositiva y juega mucho con las sombras, por momentos nos da una sensación de que estamos viendo una película Noir descompuesta, y es muy claro como ella fue influenciada por este estilo a la hora de ver sus recursos técnicos. Otra cosa que me llamo mucho la atención de su cine es la falta de coherencia aparente entre el sonido y la imagen. Que al final terminan por decir otra cosa pero en un principio desconcierta esta falta de sincronía y experimentación Sonora.

Suji terayama

Poeta, dramaturgo, director de teatro, cineasta, ensayista, agitador y amante de todas las cosas anárquico, caótico y veraz, Terayama Shuji (1936-1983) es uno de los artistas más venerados y respetados de Japón. En la escena del arte vanguardista japonés de finales de los 70, Terayama creo una serie de películas inolvidables y muy controvertido.

Personalmente esta obra de este artista no me gusto nada, siento que no arriesga mucho y termina por ser un autorretrato aburrido. Quizás en su época fue pionero y propositivo por que nunca antes se había hecho algo así, pero hoy en día con la cultura del Internet y los video blogs no es algo que resalte. Pero por mas que intente ponerme en un contexto de la época al verlo, no despertó nada en mi.

Standish Lawder

Cine, fotografía y la enseñanza son las pasiones de Standish. Recientemente se jubiló de su puesto como profesor y catedrático del Departamento de Artes Visuales en la Universidad de California en San Diego. Standish también enseñó cine en universidades como Harvard y Yale y ha sido reconocido internacionalmente por su trabajo en el cine de vanguardia. Ganador del Guggenheim y Becas Instituto de Cine Americano, junto con varias subvenciones NEA, recibió su doctorado en Historia del Arte de Yale en 1967. Standish actualmente trabaja principalmente con imágenes estereoscópicas. Lawder es el Director / Fundador de Denver Darkroom, el principal centro de enseñanza para la fotografía artística en Colorado.

Este director experimental trabaja principalmente con imágenes en cine, y las altera creando ambientes diferentes. Lo que me gusto mas de su obra es esa capacidad de crear ambientes, sus películas son mas imágenes que transmitan algo, son imágenes que te sumergen en una atmosfera determinada. Yo siento que su cine es minimalista ya que no es que tenga muchos elementos en cuadro o en el sonido pero logra siempre su objetivo.

Nam June Paik

http://www.paikstudios.com/

Este artista surcoreano nacido en 1932 padre del videoclip y fundador del video arte, estudio en Tokio artes y música, después a mediados de los años 50 cuando estuvo en Alemania estudio música desde las teorías de Stockhausen y John Cage. Quienes no solo lo influyen artísticamente si no que convivieron con el incluso aparecieron en algunas de sus obras.
De sus películas quizás lo que mas me gusto fue su sentido innovador y esa falta de miedo a experimentar que transmiten, muchas de las imágenes son comunes hoy en día para nosotros ya que nos toco vivir de manera mas directa 30 años de historia del videoclip en televisión, sin saber de donde provenían todos estos recursos.

El que mas me gusto quizás es Global Groove que no solo logra retratar una época si no que logra a su vez marcarla con una representación digital de la psicodélica y las aptitudes de la década. Otro detalle que me interesa bastante, es que poniéndonos en los zapatos de un espectador de esta época era algo sorprendente y jamás visto antes. Pero aunque sus obras parecen ser un conjunto de recursos técnicos puestos para transmitir solo una sensación estética, si uno se fija bien tienen mucho discurso detrás. Por ejemplo Buda viéndose meditar es una paradoja que retrata perfectamente el budismo, y resuelto de una manera muy sencilla y a su vez estética.

Pero definitivamente mi obra favorita es sin dudas la torre de televisores que presento en NY, la magnitudes es algo que sin dudas nos asombra como espectadores, pero el discurso de las diferentes televisiones conviviendo en el mismo espacio todas hablando diferente idioma habla de la esquizofrenia moderna y rediseña el mito bíblico de Babel poniéndolo en un contexto contemporáneo.

Yo creo que su obra se podría decir que es mas sobre sensaciones que sobre contar algo, provocar reflexiones, y a diferencia de su heredero el videoclip aquí si vemos una intención muy marcada, y una sensación de vacío que es llenada por el espectador. Esta actitud provocadora que hace que la obra no este completa hasta que llega una persona a verla. Es decir la obra siempre varia un poco dependiendo de quien la ve y en el lugar que este presentada.

Timeline Luis Buñuel

Luis Buñuel on Dipity.

click aqui

http://www.dipity.com/chencay88/Luis-Bu-uel

Descompocision de la rutina (Pre proyecto experimental)

La idea en principio sigue igual y el plan es juntar naturaleza y hombre a través de movimientos secuénciales. Acompañados de audios que junto con la imagen mas que crear una historia, desarrollen un estado de animo. Ese estado es el de vivir en esta ciudad y el de la vida monotona y repetitiva que vive la mayor parte de los habitantes. A la vez pienso combinar secuencias de texturas y acercamientos con macro para que de ese modo no se entienda de primera instancia lo que estamos viendo.

Respecto al tiempo me gustaria combinar el video tradicional acelerado con el tirar con menos cuadros por segundo para que el movimiento se vea cortado y de la sensación de aceleracion
Tambien experimentar fijando la camara a diferentes objetos moviles y jugando tambien con diferentes tiempos de exposición para crear dinamismo y velocidad.

Las imágenes van a provenir de detalles de la vida cotidiana. Para crear este pendulo oscilatorio que busco en la edicion se repetiran secuencias. Podriamos resumir el ejercicio en la busqueda de secuencias en la cotidianidad, ya sean habitos, movimientos, etc.
Digamos que es una manera de acercarse a ver los detalles de la cotidianidad y la vida rutinaria, pero verlos rapido para representar el ritmo acelerado de la ciudad en la que vivimos y la ezquisofrenia de la modernidad.

El orden de la edición final no lo tengo pero si una idea de que imágenes necesito:
- diferentes bocas masticando
- macro de dientes espillándose
- texturas de productos químicos cotidianos
- acercamientos de pies caminando
- rutinas de cómo se arranca el coche
- manos manipulando dinero
- movimientos circulares como el de la licuadora escusado etc.
- Chorro de regadera
- Detalle de carne en taqueria siendo picada con lente macro
- Persona personándose
- Ojos que se cierran y se abren
- Mas movimiento de ojos
- Café
- Besos
- Estrecho de manos

aprendiendo a escuchar sin audio ( It´s All Gone Pete Tong )

La pelicula que escogi para ver sin sonido es la misma que considero tiene el mejor diseño sonoro que jamas yo haya visto, la pelicula se llama “Its all gone Pete Tong” de Michael Dowse, y ademas ya la vi varias veces, la pelicula en si cuando se oye como originalmente es, tiene un par secuencis mudas de por si, y por la tematica de la pelicula fue muy simpatica la experiencia, ya que la historia es de un DJ que se queda sordo.

Esta vez pude apreciar mas los detalles actorales y sobretodo el ritmo de edicion, incluso por momentos después que uno se acostumbra a no estar oyendola encuentra uno ciertos ritmos dentro de los cortes de la pelicula, tambien mas detalles en los emplazamientos y encuadres.

Por la pelicula que escogi por momentos me ayudo a observar mas detalles, pero la mayor parte del tiempo me funciono para entender mas al personaje. Sinceramente cuando la escogi no pense que me fuera pasar eso pero me metio mas en la atmosfera de la pelicula verla sin sonido que las veces anteriores que la habia visto.

fijamente contra "after" de Andy Warhol

En mi caso no fue una de mis obras favoritas si no que fue la que mas me gusto de la exposición. Fui a la exposición de Andy Warhol en la galería de mi tío en Polanco. Después de ver todas las obras incluso la mas emblemática de todas que es la lata de Campbell´s, me llamo mucho la atención una muy sencilla obra de nombre “alter” la exposición era de serigrafías originales como las que hacia comúnmente este artista, me senté y me quede observándola por un largo tiempo.

Al principio mi mente giraba alrededor de si esta mesa había sido acomodada o simplemente se le ocurrió tomar una foto al artista, después me puse a pensar y tratar de calcular cuantas personas habían estado presentes en esa mesa suponiendo que era la mesa de una cena del artista con sus amigos. Seguí divagando en mi mente pensando quienes habrían estado presentes ese día. Posteriormente me vino a la cabeza que esta obra fue realizada hace 30 años que tanto han cambiado los hábitos y la ideología de la gente, y por que algo tan sencillo como esta obra de la cual hay 50 repeticiones que las valida la firma de un personaje y la gente paga miles de dólares por ellas.

Entre mas la veía mas dudas llegaban a mi cabeza como por ejemplo que habrán cenado, o que vinos eran esos, que marca es esa champaña, al mismo tiempo que me llegaban observaciones como que en esa época todavía se podía fumar dentro de los restaurantes, por la presencia del cenicero en la mesa. O también por que pensé en restaurante y no en casa de alguien, será por los códigos visuales, la acomodación de los objetos, o simplemente por que fue lo primero que pensé.

Después de un tiempo que ya me había aburrido de estarla viendo empecé a fijarme en la geometría que los objetos formaban, en por que ese encuadre tan cotidiano me había llamado la atención, y esos colores tan simples habían hecho que escogiera esta pieza. Decidí pararme y verla lo mas cerca posible para poder ver el detalle y la técnica. Me sorprendió ver el punto de impresión ya que yo nunca había visto una serigrafía tan de cerca. Regrese a mi asiento y seguí viéndola por un largo rato pero parecía como si ya nos hubiéramos dicho todo la pintura y yo, mi mente empezó a divagar en otras cosas, a tararear canciones de The velvet Underground, por asociación obviamente hasta que derepente me quede viéndola catatónico sin pensar nada.

Es un ejercicio de observación que sinceramente disfrute mucho y pense que no lo iba a lograr ya que soy muy desesperado y ansioso, para decir la verdad no sentí que fuera tanto tiempo, pero tampoco es algo que haria muy seguido, pero de vez en cuando creo que hasta de cierta forma es terapéutico.

Ken Russell el trasgresor

Esta película es quizás de las cosas mas trasgresoras que eh visto, hace un par de años ya había visto en una clase un algunos minutos de esta pero nunca completa. Hoy en día me considero ateo, no que no crea en nada pero no me siento de ninguna religión, pero en mi infancia fui criado como católico y de hecho asistí toda mi vida a una escuela religiosa. Cuando me encontraba viéndola nada mas pensaba en presentársela a mis compañeros de la primaria para ver su reacción.

Muchas películas trasgresoras de años atrás, las ve uno hoy en día y ya no tienen el mismo efecto. La película de Ken Russell sigue vigente hasta hoy en día.

Fuera de la temática agresiva y el rompimiento de los códigos sociales y religiosos, hay que ver mas allá; esta película realmente trata de la opresión del poder.

En cuanto a esta pieza podemos observar una búsqueda estética enorme, la fotografía es impecable, pero lo mas destacado es el diseño de producción, el cual es muy sobrio y minimalista pero cumple con lo básico para ponernos en ambiente. No es un diseño que busque ser realista si no que solo nos pone en contexto por lo que la genialidad del director se remarca mas ya que la ambientación viene de parte de los personajes y no de parte de los sets.

Algo curioso que me paso que probablemente tiene que ver con la falta de color en los sets y vestuarios, es que cada vez que recuerdo esta película me viene a la mente que es en blanco y negro y al volver a pensarlo recuerdo que en verdad es en color. Este fenómeno me pareció muy intrigante, y me recordó a una serie fotográfica que eh querido hacer desde hace mucho tiempo pero no eh conseguido el presupuesto, que consiste en pintar a los personajes en escala de grises y todos los cuartos en blanco y negro para después meter un detalle en color, un poco del estilo de la fotógrafa Sandy Skoglund una de mis ídolos.

Peter Watkins y su parque del castigo

Esta película yo no la consideraría una pieza tan experimental pero si una obra maestra, el humor acido que maneja y el sarcasmo son geniales. A mi parecer esta excelentemente lograda y si uno la ve sin fijarse a detalle siguiendo solo la historia si se crea la ilusión de que es un documental, cuando uno se fija en determinados emplazamientos puede que la ilusión se caiga un poco, como mencione en clase un poco de maquillaje le hubiera subido puntos a esta pieza.

Estilísticamente me gustó mucho el filme, pero quizás lo que mas destaca en mi opinión es la trama y el guión, ya que es mi tipo de humor. Yo soy de los que no trata la vida de forma seria, yo los problemas los enfrento con humor o con sarcasmo, por lo cual me sentí un poco reflejado en esta película.

Además soy un fanático del falso documental o mockumentary, pero muchas veces caen en la pura burla y no tienen nada mas que decir. En cambio aquí podemos ver una critica política a una nación y a varias ideologías pero de manera divertida. Sin dudas se convirtió en una de mis piezas favoritas. Otras películas de esta índole que me han movido mucho son 24 hour party people, que no es completamente un fake pero si mantiene ciertos aspectos y lenguajes del mundo documental. Este estilo documental combinado con el estilo clásico muy estético es lo que en este momento me gustaría adoptar como estilo personal.

Hollis Frampton un viaje por las emociones

dentro de lo experimental de este director se aprecia un estilo poético de representar las cosas como en Maxwell's demon, es una excelente representación de la física quántica y de cómo la energía se va perdiendo, dentro de este ejercicio cinematográfico destaca a mi gustó el sonido, no por esto creo que las imágenes no sean bellas per se, pero el sonido a momentos dicta a la imagen, en algunos otros se escuda tras la imagen y en otros se subleva a ella pero nunca deja de tener concordancia. Por mas sencillo que sea este ejercicio fue el que mas me llamo la atención de Hollis Frampton, también es una excelente representación de la causa/efecto, al no ser algo simétrico no sabemos si el movimiento es causa del sonido o este de el movimiento, así como los cuadros de colores, que no sabemos si es la energía motriz que impulsa a los movimientos a que pasen o si esta es el producto desprendido de los movimientos.

Este es otro director de los esteticistas puros, pero a la vez un genio para conceptualizar, en la obra lemmon podemos ver la seducción y la feminidad de un objeto cambiar con solo mover la luz. Y en mi caso que la luz es uno de mis temas favoritos lo llegue a disfrutar mucho.

A pesar de que quizás ha sido de los autores que mas me ha simpatizado su trabajo y que en general disfrute mucho sus obras la que sin dudas mas me impresiono y quizás por que me identifique con ese estilo es “ordinary matter” lo que me gusto es que es la perspectiva de una onda chocando con el ambiente, podríamos decir que es el viaje del sonido. El estilo fílmico parece ser que es con una cámara fotográfica y que simplemente va tomando fotos y que pareciese que la cámara se comió cuadros, dándole un dinamismo acelerado. Este estilo me identifica por que es algo que no solo me gusta como se ve si no que cuando quiero hacer cosas con una mayor calidad y mejor óptica recurro a este proceso con la cámara de fotos digital.

http://hollisframpton.org.uk/

Ken Jacobs una critica sarcastica

En lo personal es una obra muy interesante, una gran critica al capitalismo moderno, pero quizás lo mas rescatable de esta pieza es el particular estilo que nos presenta Jacobs. Este collage de imágenes experimentales creadas por diferentes autores en diferentes épocas, pero que terminan por mezclarse de manera perfecta creando la ilusión de que fueron hechas específicamente para esta pieza.

El tono sarcástico de esta pieza me llamo mucho la atención, pero quizás lo mas impresionante para mi es que podríamos ver esta película como una biblia de apropiarse material. Mas que el mensaje que el manda lo que me gusta mucho de esta pieza es que las imágenes por si solas son bellas, y como cuando parecen estar fuera de contexto las unifica quizás no el objeto que esta siendo fotografiado si no el movimiento de la cámara, o el contexto. Pero dentro de lo experimental hay un ejercicio notable de observación de parte del director, que le otorga una cierta coherencia al conjunto de imágenes diferentes que realmente no tienen nada que ver una con la otra, mas allá de que algunos materiales sean experimentales, otros sean de películas o animaciones viejas; terminan por unificarse bien.

En lo personal me pareció un excelente retrato del individuo moderno, esa esquizofrenia que se vive actualmente, es decir la cantidad de conceptos diferentes e in-concordantes que componen al hombre moderno, e incluso hasta esa prisa con la que se vive en la actualidad.

De Ken Jacobs quizás me gustaría aprenderle su firmeza en la idea, por que uno tiene que tener muy claro lo que quiere hacer para poder jugar con tanta información y terminar por expresar bien su idea de una forma legible al publico.

Stan Brakhage

En general el trabajo de Stan Brakhage es algo que me despertó emociones y me sumergió en diferentes estados, algunas de sus piezas de manera positiva y otra en particular logro sacudirme.

Mucho de su trabajo sobretodo lo mas reciente yo no lo consideraría cine experimental sino que se acerca mas hacia el videoarte, lo que me sorprende de su trabajo es que el hace estas piezas de manera artesanal, incluso llega a pintar cuadro por cuadro en película de 16mm lo cual es algo inimaginable hoy en día ya que se puede imitar de manera muy sencilla con todas las técnicas modernas existentes.

Lo que mas me llamo la atención de su forma de trabajo fueron dos aspectos muy remarcables, el primero es esa capacidad de observación a veces remarcada por la falta de audio, que nos sumerge en una especie de trance visual. Se crea un juego opuesto a lo físico, ya que el hombre si quiere dejar de ver cierra los ojos pero dejar de escuchar es imposible, a la vez me recordó a la teoría de John Cage sobre su obra 4.33”, en la cual dice que el silencio no existe, y cada vez que esa obra es tocada obliga a la audiencia a de veras a escuchar, por lo tanto su obra nunca es igual, cada interpretación de 4.33” la hace la audiencia y el auditorio.

El segundo aspecto que me fascino de la obra de Brakhage es el esteticismo en sus imágenes, ya sean cuadros pintados que pasan a una gran velocidad así como imágenes capturadas con una cámara, siempre terminan por ser trabajos con una gran carga estética. Y por ultimo pero no menos importante creo que este autor tiene una gran capacidad para crear atmósferas, en particular mi favorita es la de “Window water baby” la cual esta filmada con una sola luz muy calida y nos mete en una situación de aprecio a la generación de nueva vida, termina por ser un trance estético. Por otra parte tenemos el otro extremo “The Act of Seeing with One’s Own Eyes” la cual me causo repulsión, en lo personal yo le doy una oportunidad a todo, y esta no fue la excepción, incluso las películas Gore las puedo tolerar, pero al saber que estas eran autopsias reales, me empecé a perturbar mucho, empecé a pasar ansias hasta que no lo pude tolerar mas. Todo fue bien hasta que el encargado de la morgue saco la sierra y abrió la cabeza de uno de ellos como si fuese un coco, llevaba mucho sin tener que salirme de una película.

El hecho de que sean emociones fuertes no hace que sean malas por el contrario, es un talento que pocos directores tienen y es el crear reacciones y sentimientos en sus espectadores. Como en el caso del arte moderno me viene a la mente Teresa Margolles, perteneciente al movimiento artísticos semefo, quien juega mucho con la muerte, lo efímero, las morgues para provocar reacciones en los espectadores.

proyectos personales de experimentacion

Timeline interactiva

Me gustaría hacerla de Luis Buñuel, no solo por su excelente trayectoria y por lo innovador de sus proyectos cinematográficos, si no por que tiene una vida extremadamente interesante. A pesar de que es el director de habla hispana mas reconocido y por su trayectoria en México.

Statement proyecto final

Hasta ahora no lo tengo muy claro pero creo que me gustaría indagar mas en este interés que se despertó recientemente en mi sobre el movimiento, en principio tengo la idea de juntar naturaleza y hombre a través de movimientos secuénciales. Acompañados de audios que junto con la imagen mas que crear una historia, desarrollen un estado de animo.

Obviamente esta idea irla desarrollando mas a lo largo del semestre, pero creo que seria muy interesante explorar diferentes campos de lo que estoy acostumbrado a hacer e intentar algo mas poético que se salga de mi afición por la narrativa. Estoy consiente de que representa un reto grande pero creo que podría ser interesante y en lo personal me parece el momento adecuado para inmiscuirme en nuevo campo.