Doppler Effect (Proyecto Audioviual Final)

Una vision experimental de la rutina diaria en la que esta atrapado el individuo comun, la cual es repetitiva y estancada. Resuelto a traves de puros acercamientos macro, fotosecuencia, fuera de focos, y otras tecnicas ajenas al video.

Realizado por:

Juan Carlos G. Guerrero y Julio Cesar Villaseñor

Asimilaciones de tiempos

Tiempo del espectador.

El espectador se encuentra en un espacio y tiempo definidos, este es un tiempo que juega un papel importante en cuanto al manejo de la temporalidad en el cine ya que este se puede manipular dependiendo de el nivel de atención y envolvimiento de la imagen con aquel que la ve. además de que la percepción del tiempo se puede alterar haciendo que pase más rapido o lento.




Aceleración y disminución del tiempo.

Una de las grandes características visuales del tiempo en el cine, es que puede ser manipulado para acelerarlo o reducirlo. creando efectos que el ojo humano no puede asimilar.










Revertir el tiempo.

Una gran característica de manipulación del tiempo fuera modificar su velocidad es que se puede revertir por completo.

Tiempo paralelo.

Cuando dos tiempos interactúan entre si o suponen correr en el mismo momento.





Tiempo asimilado.

El mismo formato de el video, el contenido y los objetos en cuadro nos remiten a cierta epoca.

Matthew Barney

Es un artista estadounidense que trabaja en la escultura, fotografía, dibujo y cine. Sus primeros trabajos fueron instalaciones escultóricas en combinación con el rendimiento y la fuente. Entre 1994 y 2002 creó el Ciclo Cremaster, una serie de cinco películas descritos por Jonathan Jones en The Guardian como "uno de los logros más imaginativos y brillantes en la historia del cine avant-garde”



En lo personal es un trabajo que me fascina por el alto grado de esteticismo que maneja, aunque conceptualmente es muy pobre, aunque tenga varios niveles de lectura un poco pretenciosos pero le falta algo a Mathew Barney que nos hace percatarnos de que se quedo a la mitad del camino.

Yo en lo personal disfrute mucho este ciclo por que fue de las primeras cosas que vi cuando decidí estudiar cine y me había sido muy difícil conseguirlas solo había visto pedazos de algunas y con una visión diferente a como la vi ahora. También esta el factor de que soy un fanático de la fotografía de moda, incluso trabajo mucho en ese medio, y en esta serie tiene una clara influencia.

Su obra esta infestada de claves sexuales desde el mismo titulo, pero siento que no trascienda mas que a nivel estético. Yo creo que su principal error es que es escultor y no supo dar el brinco al cine, ya que el cine tiene mucho mas que decir que la escultura, termina por ser una un catalogo de sus esculturas a manera de anuncio de perfume. Pero sin dudas como experiencia estética es impresionante.

Doug Aitken

Doug Aitken nació en Redondo Beach, California en 1968 y actualmente vive y trabaja en Los Ángeles y Nueva York. Su trabajo oscila desde la fotografía, la escultura y las intervenciones arquitectónicas, a las películas, sonido, obras multi-canal de video e instalaciones. Podríamos catalogarlo como un artista multimedia. Su trabajo ha sido presentado en numerosas exposiciones individuales y de grupo en todo el mundo , en instituciones como el Museo Whitney de Arte Americano, el Museo de Arte Moderno y el Centro Georges Pompidou en París. En 2001, la exposición de Aitken en la Serpentine Gallery de Londres, utiliza el edificio para su instalación Ocean.

En su obra Diamond sea nos presenta a través de unas imágenes tan bellas como los mismos diamantes, una realidad espantosa. La explotación de las riquezas de uno de los continentes mas pobres del mundo. En un lugar imposible de llegar mas que por mar y que seguramente en el pueblo mas cercano no tienen ni para comer, existe una mina de diamantes con lo ultimo en tecnología. Es impresionante como a pesar de que no muestra a personas y parece ser un encuentro de tecnología y naturaleza vemos un cerco que rodea a la mina y a unos caballos alrededor de este como si esa barrera estuviera ahí para detenerlos a ellos.

De esta película destaca aparte de su discurso, la atmosfera en la que te sumerge, que aparentemente es de belleza y paz pero si uno logra pasar esa barrera ve el lado obscuro del hombre.

Bill Morrison

Es un cineasta de Nueva York. Es miembro del Teatro Ridge y el fundador de Hypnotic Pictures. Estudió en el Reed College 1983-85, y se graduó en la Cooper Union School of Art en 1989.

Su obra Decasia la que mas se ha dado a conocer es un collage de imágenes que tiene como hilo conductor el proceso detrás de la imagen para poder ver lo que vemos en pantalla, a lo largo también muestra diferentes alteraciones químicas que terminan por ser agradables a la vista.

El al mostrarnos todo esto nos esta reafirmando que lo que vemos en pantalla no es real, aunque se nos presente de tal forma, es interesante los medios de manipulación que tiene sobre sus imágenes, pero su discurso es lo que mas atrajo mi atención.

Peter Tscherkassky

Tscherkassky es un director de cine austriaco de vanguardia que trabaja exclusivamente con materiales de archivo. Toda su obra se hace en el cuarto oscuro, en lugar de confiar en las modalidades tecnológicas. Comenzó su carrera cinematográfica en 1979, cuando compro una cámara Super-8 a finales de ese mismo año empezó a filmar Kreuzritter . Fue uno de los miembros fundadores de la nueva Cooperativa de Cineastas de Austria que se inició en 1982 y renunció a su cargo en 1993. Su trabajo más reciente Instrucciones para una máquina de luz y sonido tuvo su estreno mundial en el Festival de Cine de Cannes en la serie " Quinzaine des réalisateurs ".

Este director tiene una gran fuerza visual, y un sentido nostálgico increíble logrado a través de las técnicas que usa, los 2 trabajos que vimos del director Dreamwork y Manufraktur. Nos presentan una experiencia visual que va alternando en puros claro obscuros una estética visual y sonora, que mas que un discurso presentan sensaciones.

En este caso su fuerza radica como lo mencione antes en su montaje el cual va distorsionando los ritmos para crear estados de animo diferentes, la combinación de elementos y técnicas da por resultante un trabajo muy bello. Pero lo mas importante quizás es su método artesanal de experimentación el cual es mucho mas tradicional sobre película alterándola químicamente, raspándola, superponiéndola, etc.

Digamos que es un cineasta alquimista que le gusta alterar a la imagen desde el cuarto obscuro, de ahí nace su fuerza nostálgica que nos remite a los pioneros de la cinematografía que no sabían lo que estaban haciendo.

Peter Kubelka

Es un cineasta experimental austriaco. Sus películas son sobre todo experimentos cortos en la vinculación de sonido e imágenes aparentemente dispares. Kubelka hizo películas de 16 mm, cortos sobre todo, y es uno de sus sellos es el parpadeo y el alternar tomas del blanco al negro. Kubelka también diseñó el Anthology Film Archives espacio personalizado de Proyección de cine en la década de 1970 en Nueva York.

En el teatro habia barreras visuales entre cada asiento de modo que el miembro de la audiencia estaba totalmente aislado visualmente de otros usuarios. El teatro estaba pintado de negro y el asiento estaba cubierto de terciopelo negro. La única luz en la sala de proyecciones era la de la pantalla. El diseño es un ejemplo de la estética purista del movimiento de cine de vanguardia de la época.

Su trabajo refleja una obsesión por el cine notable, se ve que es un trabajo obsesivo de parte del director. Es un trabajo claramente experimental, pero me gusta que solo represente los 2 extremos de la moneda el blanco total y el negro total y a través de líneas básicas y siluetas creamos los espectadores en nuestras cabezas toda la información. Se me hace interesante el uso de el contraluz y luego de manera inversa, pero si nos detenemos a analizarlas las imágenes nunca presentan una persona, si no que nada mas la asemejan. Es interesante como a través de su experimento terminamos por construir la escena nosotros.

Me hizo pensar también en una frase que me dijo un fotógrafo “el mundo esta hecho de sombras y reflejos” y que mejor manera de representar al extremo esa frase que con este ejercicio.