Chick Strand

Nacida Mildred Strand en el norte de California le dieron el apodo de "Chick" por su padre. Strand Estudió Antropología en Berkeley. En 1961, Strand y Baillie, entre otros, fundaron lo que más tarde se convertiría en la Cinemateca de San Francisco bajo el nombre de Canyon Cinema. (A partir de 1966, el nombre de Canyon Cinema también abarcaría un distribuidor de cine de vanguardia. La distribuidora y exhibidora wings se separo en la década de los 70, dando lugar a la San Francisco Cinematheque.)

Más tarde, con Baillie y Callenbach Ernest, se editó el boletín de Canyon Cinema Canyon, Cinema News, que se convirtió en un punto focal para el movimiento de la Costa Oeste de cine independiente. Se inscribió en el programa de etnografía en la UCLA, y después de graduarse en 1971, enseñó durante 24 años en el Occidental College. Durante más de treinta años viajo frecuentemente a México con su segundo marido Neon Park y hizo películas sobre la gente que conoció allí. Para después convertirse en pintora.

Fake Fruit Factory from Guergana Tzatchkov on Vimeo.

Esta fue la ultima artista de la clase de feministas que vimos, su discurso es mas acercado a lo documental, y lo que mas me gusto de su trabajo es la propuesta colorida que tiene y el uso de puro detalle , ya que muchas veces las manos tienen mas expresión que el cuerpo entero.

Este recurso también ayuda a reforzar que podría ser cualquier mujer del mundo la que se esta retratando al no ponerle cara a las mujeres que estamos viendo, muy sutil debajo de todo esto podemos ver una fuerte critica a la explotación laboral, no solo siendo de parte de el hombre a la mujer si no de los países grandes a los pequeños. Es decir vemos una gran critica a las relaciones de poder. Estéticamente me pareció un video increíble y de acuerdo a su narrativa y discurso me recordó a al documental Reassamblage de Trinh T. Minh Ha que vi hace unos meses en la material de documental. Ambos son muy propositivos y experimentales, y en los 2 casos son documentales etnográficos. Es claro que la artista vio esta pieza y que le influyo para crear su obra.

Dara Birnbaum

A lo largo de su carrera, que comenzó a finales de 1970, Dara Birnbaum ha trabajado con video arte en Nueva York. Inicialmente, Birnbaum estudió arquitectura y desarrollo urbano, pero se cambió a estudiar pintura en el San Francisco Art Institute. A su regreso a Nueva York, continuó sus estudios en la New School of Social Research, donde se especializó en el video arte.

La producción de Birnbaum consiste principalmente de video arte e instalaciones. Sus videos de la década de 1970 y principios de 1980 son variaciones sobre el mismo tema, todas ellas reinterpretando los diversos formatos y el "lenguaje" de la televisión utilizando diferentes técnicas.

Al igual que Abigail Child que vimos anteriormente, Dara nos presenta un mensaje feminista pero en vez de partir del clásico como Child, parte de temas mas contemporáneos que podríamos considerar Pop, es decir de los medios nativos del video, la televisión. Para hacer una critica que engrandece de sobre manera a la mujer pero en un sentido irónico. A mi en lo personal me gusto su manejo humorístico de la situación y aunque no es algo digerible para cualquiera, ya que se basa en la repetición siento que es algo bastante bien hecho y que en lo personal disfrute mucho.

Partimos de la base que no es la primera artista que analizamos en clase que tiene un mensaje feminista, ni tampoco la primera que juega con fragmentos de la televisión para crear su discurso, pero aun así su trabajo resalta mucho. Se nota una autoria y una intención cosas que no son fáciles de retratar.

Abigail Child

Abigail Child (nacio 1948) es una poeta, directora, productora y escritora de varias películas. Originalmente, empezó trabajando en la escena de San Francisco pero se mudó a Nueva York a finales de su carrera.

comenzó a hacer películas como documentalista en la década de 1970. Hizo siete películas independientes, entre 1970 y 1976. A mediados de 1970, Child comenzó a hacer películas experimentales que exploran su interés en la disyunción entre el sonido y la imagen.

Mayhem Movie

Ambas películas tienen que vimos en clase tienen un fuerte mensaje feminista, y hablan de la opresión a la mujer en la sociedad Americana. De ella destaca su sutil humor negro, y la manera de hacer una critica a su país con solo montar diferentes materiales de archivo que reflejan perfectamente lo que ella quiere decir. Sus materiales son intercalados con materiales de archivo como propaganda de guerra junto con tomas creadas por ella, todas con una línea estética bastante similar que unifica el proyecto.

También tiene un gran sentido de la estética y un excelente blanco y negro que retrata la dualidad de la sociedad de manera perfecta. Su fotografía es altamente propositiva y juega mucho con las sombras, por momentos nos da una sensación de que estamos viendo una película Noir descompuesta, y es muy claro como ella fue influenciada por este estilo a la hora de ver sus recursos técnicos. Otra cosa que me llamo mucho la atención de su cine es la falta de coherencia aparente entre el sonido y la imagen. Que al final terminan por decir otra cosa pero en un principio desconcierta esta falta de sincronía y experimentación Sonora.

Suji terayama

Poeta, dramaturgo, director de teatro, cineasta, ensayista, agitador y amante de todas las cosas anárquico, caótico y veraz, Terayama Shuji (1936-1983) es uno de los artistas más venerados y respetados de Japón. En la escena del arte vanguardista japonés de finales de los 70, Terayama creo una serie de películas inolvidables y muy controvertido.

Personalmente esta obra de este artista no me gusto nada, siento que no arriesga mucho y termina por ser un autorretrato aburrido. Quizás en su época fue pionero y propositivo por que nunca antes se había hecho algo así, pero hoy en día con la cultura del Internet y los video blogs no es algo que resalte. Pero por mas que intente ponerme en un contexto de la época al verlo, no despertó nada en mi.

Standish Lawder

Cine, fotografía y la enseñanza son las pasiones de Standish. Recientemente se jubiló de su puesto como profesor y catedrático del Departamento de Artes Visuales en la Universidad de California en San Diego. Standish también enseñó cine en universidades como Harvard y Yale y ha sido reconocido internacionalmente por su trabajo en el cine de vanguardia. Ganador del Guggenheim y Becas Instituto de Cine Americano, junto con varias subvenciones NEA, recibió su doctorado en Historia del Arte de Yale en 1967. Standish actualmente trabaja principalmente con imágenes estereoscópicas. Lawder es el Director / Fundador de Denver Darkroom, el principal centro de enseñanza para la fotografía artística en Colorado.

Este director experimental trabaja principalmente con imágenes en cine, y las altera creando ambientes diferentes. Lo que me gusto mas de su obra es esa capacidad de crear ambientes, sus películas son mas imágenes que transmitan algo, son imágenes que te sumergen en una atmosfera determinada. Yo siento que su cine es minimalista ya que no es que tenga muchos elementos en cuadro o en el sonido pero logra siempre su objetivo.

Nam June Paik

http://www.paikstudios.com/

Este artista surcoreano nacido en 1932 padre del videoclip y fundador del video arte, estudio en Tokio artes y música, después a mediados de los años 50 cuando estuvo en Alemania estudio música desde las teorías de Stockhausen y John Cage. Quienes no solo lo influyen artísticamente si no que convivieron con el incluso aparecieron en algunas de sus obras.
De sus películas quizás lo que mas me gusto fue su sentido innovador y esa falta de miedo a experimentar que transmiten, muchas de las imágenes son comunes hoy en día para nosotros ya que nos toco vivir de manera mas directa 30 años de historia del videoclip en televisión, sin saber de donde provenían todos estos recursos.

El que mas me gusto quizás es Global Groove que no solo logra retratar una época si no que logra a su vez marcarla con una representación digital de la psicodélica y las aptitudes de la década. Otro detalle que me interesa bastante, es que poniéndonos en los zapatos de un espectador de esta época era algo sorprendente y jamás visto antes. Pero aunque sus obras parecen ser un conjunto de recursos técnicos puestos para transmitir solo una sensación estética, si uno se fija bien tienen mucho discurso detrás. Por ejemplo Buda viéndose meditar es una paradoja que retrata perfectamente el budismo, y resuelto de una manera muy sencilla y a su vez estética.

Pero definitivamente mi obra favorita es sin dudas la torre de televisores que presento en NY, la magnitudes es algo que sin dudas nos asombra como espectadores, pero el discurso de las diferentes televisiones conviviendo en el mismo espacio todas hablando diferente idioma habla de la esquizofrenia moderna y rediseña el mito bíblico de Babel poniéndolo en un contexto contemporáneo.

Yo creo que su obra se podría decir que es mas sobre sensaciones que sobre contar algo, provocar reflexiones, y a diferencia de su heredero el videoclip aquí si vemos una intención muy marcada, y una sensación de vacío que es llenada por el espectador. Esta actitud provocadora que hace que la obra no este completa hasta que llega una persona a verla. Es decir la obra siempre varia un poco dependiendo de quien la ve y en el lugar que este presentada.

Timeline Luis Buñuel

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